martes, 19 de noviembre de 2013

Literatura Futurista

Desde siglo XX surge en Italia este movimiento literario ''El Futurismo'' que se presentó en una serie de manifestaciones. El 20 de febrero de 1909 Filippo Tommaso Marinetti, fundador del movimiento futurista, publico en <<Le Figaro>> de París un primer manifiesto que marco en el futurismo la agresividad, el salto mortal, la temeridad, la bofetada y el puñetazo.

Este es el primer manifiesto por Filippo Tommaso Marinetti en <<Le Figaro>>  (1909) (Fragmentos)

1. Nosotros queremos cantar el amor al Peligro, el hábito de la energía y de la temeridad. 

2. El valor, la audacia, la rebelión serán elementos esenciales de nuestra poesía. 

3. Hasta hoy, la literatura exaltó la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso ligero, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo. 

4. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad... Un automóvil de carreras con su capó adornado de gruesos tubos semejantes a serpientes de aliento explosivo..., un automóvil rugiente parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia. 

5. Nosotros queremos cantar al hombre que sujeta el volante, cuya asta ideal atraviesa la Tierra, ella también lanzada a la carrera en el circuito de su órbita. 

6. Es necesario que el poeta se prodigue con ardor, con lujo y con magnificencia para aumentar el entusiástico fervor de los elementos primordiales. 

7 Ya no hay belleza si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra de arte. La poesía debe concebirse como un violento asalto contra las fuerzas desconocidas, para obligarlas a arrodillarse ante el hombre. 

8. ¡Nos hallamos sobre el último promontorio de los siglos!... ¿Por qué deberíamos mirar a nuestras espaldas, si queremos echar abajo las misteriosas puertas de lo Imposible? El Tiempo y el Espacio murieron Ayer. Nosotros ya vivimos en lo absoluto, pues hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente. 

9. Nosotros queremos glorificar la guerra -única higiene del mundo-, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las hermosas ideas por las que se muere y el desprecio por la mujer. 

10. Nosotros queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y toda cobardía oportunista o utilitaria. 

11. Nosotros cantaremos a las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, por el placer o la revuelta; cantaremos las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos el vibrante fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por violentas lunas eléctricas; las estaciones glotonas, devoradoras de serpientes humeantes; las fábricas colgadas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; los puentes semejantes a gimnastas gigantes que saltan los ríos, relampagueantes al sol con un brillo de cuchillos; los vapores aventureros que olfatean el horizonte, las locomotoras de ancho pecho que piafan en los raíles como enormes caballos de acero embridados con tubos, y el vuelo deslizante del aeroplano, cuya hélice ondea al viento corno una bandera y parece aplaudir como una muchedumbre entusiasta.




Características del Futurismo

  • Revela una exasperada proyección hacia el futuro; y si por un lado expresa la voluntad de romper con la tradición, por el otro demuestra una cierta incapacidad de realizarse en formas menos hipotéticas y más actuales.
  • Suprimir el yo poético.
  • Destrucción de la sintaxis y la puntuación.
  • Exaltación de lo sensual, lo nacional, lo guerrero.
  • Nuevo sentido del espacio que tuvo consecuencias importantes en la vanguardia europea contemporánea y posterior: Cubismo, dadaísmo, surrealismo.
  • Lo veleidoso, que se enmascara de triunfalismo para rechazar el mito de la derrota propio de cierto romanticismo y del decadentismo. 
  • Adoración de la maquina como prolongación del hombre inteligente.

  




domingo, 8 de septiembre de 2013

50 años de Rayuela

Cinco decadas de haberse publicado la antinovela

En 1963, un escritor argentino de 49 años, público en España, una de las novelas más originales jamás escritas. En junio del 2013 se cumplieron 50 años desde que el gran cronopio, Julio Cortázar, deleito al público con la novela o “contranovela”: Rayuela.
El editorial Alfaguara ha preparado una edición especial para conmemorar las cinco décadas de haber sido publicada Rayuela. Esta novela es uno de los pilares del famoso boom latinoamericano. Esta obra cuenta con 155 capítulos, y el lector juega un papel importantísimo en ella, ya que tiene la libertad de elegir en que forma leerla.
Plena de ambición literaria y vital, renovadora de las herramientas narrativas, destructora de lo establecido y buscadora de la raíz de la poesía, durante todas estas décadas Rayuela siguió siendo leída con curiosidad, asombro, interés o devoción.

La edición conmemorativa cuenta, además del tablero de direcciones, con las cartas de Julio Cortázar donde cuenta la historia del surgimiento de esta novela.
 
Portada de la edición conmemorativa.
A continuación, presento dos capítulos memorables de esta novela: el romántico capitulo 7 y el ingenioso capitulo 68 donde el cronopio utilizo el lenguaje gíglico para describir una escena erótica.

Rayuela- Capitulo 7

Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja.

Me miras, de cerca me miras, cada vez más de cerca y entonces jugamos al cíclope, nos miramos cada vez más de cerca y nuestros ojos se agrandan, se acercan entre sí, se superponen y los cíclopes se miran, respirando confundidos, las bocas se encuentran y luchan tibiamente, mordiéndose con los labios, apoyando apenas la lengua en los dientes, jugando en sus recintos donde un aire pesado va y viene con un perfume viejo y un silencio. Entonces mis manos buscan hundirse en tu pelo, acariciar lentamente la profundidad de tu pelo mientras nos besamos como si tuviéramos la boca llena de flores o de peces, de movimientos vivos, de fragancia oscura. Y si nos mordemos el dolor es dulce, y si nos ahogamos en un breve y terrible absorber simultáneo del aliento, esa instantánea muerte es bella. Y hay una sola saliva y un solo sabor a fruta madura, y yo te siento temblar contra mí como una luna en el agua.



Rayuela- Capitulo 68

Apenas él le amalaba el noema, a ella se le agolpaba el clémiso y caían en hidromurias, en salvajes ambonios, en sustalos exasperantes. Cada vez que él procuraba relamar las incopelusas, se enredaba en un grimado quejumbroso y tenía que envulsionarse de cara al nóvalo, sintiendo cómo poco a poco las arnillas se espejunaban, se iban apeltronando, reduplimiendo, hasta quedar tendido como el trimalciato de ergomanina al que se le han dejado caer unas fílulas de cariaconcia. Y sin embargo era apenas el principio, porque en un momento dado ella se tordulaba los hurgalios, consintiendo en que él aproximara suavemente sus orfelunios. Apenas se entreplumaban, algo como un ulucordio los encrestoriaba, los extrayuxtaba y paramovía, de pronto era el clinón, la esterfurosa convulcante de las mátricas, la jadehollante embocapluvia del orgumio, los esproemios del merpasmo en una sobrehumítica agopausa. ¡Evohé! ¡Evohé! Volposados en la cresta del murelio, se sentían balpamar, perlinos y márulos. Temblaba el troc, se vencían las marioplumas, y todo se resolviraba en un profundo pínice, en niolamas de argutendidas gasas, en carinias casi crueles que los ordopenaban hasta el límite de las gunfias.

Julio Cortázar hablando de Rayuela



viernes, 23 de agosto de 2013

¿Cual de estos poetas latinoamericanos consideran mejor?

Jorge Luis Borges vs. Mario Benedetti

Mario Benedetti

Nació en Montevideo (Uruguay) el 14 de septiembre de 1920 y falleció en Montevideo el 17 de mayo de 2009 , su producción literaria ha sido traducida a más de 20 idiomas, es uno de los poetas más influyentes en Latinoamérica. Perteneció a un movimiento llamado la generación del 45, el cual fue un fenómeno sociopolítico en Uruguay. También escribía prosa, tiene varios cuentos y novelas, como “La tregua” y entre sus obras poéticas publico libros como “La vida ese paréntesis” y “El olvido está lleno de memoria”.



Jorge Luis Borges



Nació en Buenos Aires (Argentina) el 24 de agosto de 1899 y falleció en Ginebra (Suiza) el 14 de junio de 1986, es considerado el escritor latinoamericano más importante del siglo XX. Su producción literaria es considerada fundamental en la literatura universal, y por la cantidad de referentes ha sido expuesta a diversos análisis literarios. Publico varios libros de poemas como “El oro de los tigres” y “El hacedor” y libros de cuentos como “El aleph” y “Ficciones”.








Elijan su respuesta en base a estos dos poemas.

Ausencia de Jorge Luis Borges

Hagamos un trato de Mario Benedetti

Habré de levantar la vasta vida
que aún ahora es tu espejo:
cada mañana habré de reconstruirla.
Desde que te alejaste,
cuántos lugares se han tornado vanos
y sin sentido, iguales
a luces en el día.
Tardes que fueron nicho de tu imagen,
músicas en que siempre me aguardabas,
palabras de aquel tiempo,
yo tendré que quebrarlas con mis manos.
¿En qué hondonada esconderé mi alma
para que no vea tu ausencia
que como un sol terrible, sin ocaso,
brilla definitiva y despiadada?
Tu ausencia me rodea
como la cuerda a la garganta,
el mar al que se hunde.

Compañera
usted sabe
puede contar
conmigo
no hasta dos
o hasta diez
sino contar
conmigo

si alguna vez
advierte
que la miro a los ojos
y una veta de amor
reconoce en los míos
no alerte sus fusiles
ni piense qué delirio
a pesar de la veta
o tal vez porque existe
usted puede contar
conmigo

si otras veces
me encuentra
huraño sin motivo
no piense qué flojera
igual puede contar
conmigo

pero hagamos un trato
yo quisiera contar
con usted

es tan lindo
saber que usted existe
uno se siente vivo
y cuando digo esto
quiero decir contar
aunque sea hasta dos
aunque sea hasta cinco
no ya para que acuda
presurosa en mi auxilio
sino para saber
a ciencia cierta
que usted sabe que puede
contar conmigo.


martes, 20 de agosto de 2013

Entrevista a Hans Behr Martínez

                                                

Sin saber que escribir iba a ser parte de su vida, Hans Behr Martínez tiene en la actualidad más de 5 obras publicadas y es ganador de varios premios como el décimo quinto concurso nacional de literatura y el Premio de la Secretaría Nacional de Comunicación. Tan solo con 6 años tuvo que padecer una enfermedad gástrica en la que ocupaba más tiempo en clínicas que en parques y le daban pocas opciones para distraerse. Es ahí donde su interés por la literatura nace, entre juegos inocentes y relatos, su imaginación ya volaba. Los vómitos desaparecieron dándole a cambio este nuevo ‘‘hobbie’’. A los 15 años ya escribía novelas que lo hicieron ganar intercolegiales de literatura e incluso, en ocasiones, ocupar un lugar en el diario El telégrafo. En esa época, a través de las letras, conoció a Demetrio Aguilera Malta, Julio Cortázar, Pablo Palacios, José de la Cuadra, Jorge Luis Borges, Roberto Bolaños, Gabriel García Márquez, entre otros. Tras graduarse como bachiller en Químico Biólogo, porque al principio soñaba con ser médico, siguió sus estudios de Tecnología de alimentos en la Espol. Ya en la universidad quiso hacer conocer su talento, participando en concurso nacionales de literatura que fueron poco a poco publicando sus obras. Hoy en día tiene ya una gran trayectoria, siendo conocido no solo por sus relatos sino también por sus reconocimientos. Sus obras ‘‘Circo’’, ‘‘Ojos de piquero’’, ‘‘Las luces de la felicidad’’, ‘‘Soldado 3113’’, ‘‘Maratón’’, entre otros.
‘‘Ha llovido anoche, siento y respiro aire elemental, nacido de las nubes y el choque eléctrico, el aire que respiraron los dinosaurios, aunque sería un prodigio si estuviera lloviendo ahora porque correr bajo la lluvia es un poema que no se escribe, se lo vive.’’- Maratón.
En esta entrevista el escritor Hans Behr Martinez nos explicara más detalladamente sus obras y trayectoria, además nos hablara un poco de la literatura ecuatoriana:   


Entrevista a Julio Cortázar

El boom latinoamericano por Julio Cortázar






¿Cual saga literaria es mejor?

Harry Potter vs. Crepúsculo 

Cual de estas dos sagas de libros, a su criterio, es la mejor.


martes, 6 de agosto de 2013

Entrevista sobre Literatura

Entrevista sobre Literatura

Aquí presentaremos un vídeo sobre las opiniones, respecto a la Literatura, de diversos docentes del plantel educativo: Liceo Panamericano.

Entrevistados:

Dr. Ivo Orellana Carrera.
Dr. Jorge Enrique Ramón Orellana.
Lcdo. Pedro Reliche Reyes.
Lcda. Nathaly Serrano.

lunes, 22 de julio de 2013

Los libros le dan vida a nuestras fotos

¡Esperamos que les guste! 

¿Cuál es tu favorito?


¿A quién no le gustaría?


Un gran ejemplo para la literatura fantástica
            ¿Se les hace familiar? Los 18 Aurelianos 

domingo, 14 de julio de 2013

Influencia del Gongorismo en Miguel Hernández.

Influencia del Gongorismo en Miguel Hernández.

Las corrientes Literarias del Siglo de Oro español se ven reflejadas en la maestría poética del español Miguel Hernández.

Su primer libro de poemas “Perito en Lunas” está estructurado con 42 octavas reales, esta métrica fue utilizada en el barroco español por el movimiento literario del Culteranismo, un ejemplo es la “Fabula de Polifemo y Galatea “de Luis de Góngora y Argote.

Fabula de Polifemo y Galatea
De Luis de Góngora y Argote
Perito en Lunas De Miguel Hernández
ESTROFA XXVIII     

La ninfa, pues, la sonorosa plata
bullir sintió del arroyuelo apenas,
cuando, a los verdes márgenes ingrata,
segur se hizo de sus azucenas.
Huyera, mas tan frío se desata
un temor perezoso por sus venas,
que a la precisa fuga, al presto vuelo,
grillos de nieve fue, plumas de hielo..
Octava II Palmero y Domingo de Ramos.

Luz comba, y no, creada por el mozo,
talludo espulgador de los racimos:
no a fuerza, y sí, de bronces en rebozo,
sí a fuerza, y no, de esparto y tiempo opimos.
Por el domingo más brillante fuimos
con la luz, enarcada de alborozo,
en ristre, bajo un claustro de mañanas,
hasta el eterno abril de la persianas.

Luis de Góngora y Argote, Escritor del Siglo de Oro Español

El estilo culterano de Miguel Hernández no es puramente imitativo, a diferencia de Góngora, que presentaba un mundo puramente fabuloso y mitológico, este se fija en lo real y lo inmediato.
El neogongorismo aparece de manera renovadora a Miguel Hernández, que transforma la realidad, en palabra poética, de una manera exquisita. En estos magistrales poemas  podemos observar a un autor que logra dominar el lenguaje con una extraordinaria complejidad metafórica, logrando ennoblecer los temas más cotidianos y convertirlos en las más altas cimas poéticas.



Figuras retoricas frecuentes en el culteranismo como el hipérbaton (cuyo objetivo es cambiar el orden lógico de un verso para expresarlo en un lenguaje más noble y elegante) están presentes en poemas como Toro.

Toro-Octava III

A la gloria, a la gloria toreadores!
La hora es de mi luna menos cuarto.
Émulos imprudentes del lagarto,
magnificaos el lomo de colores.
Por el arco, contra los picadores,
del cuerno, flecha, a dispararme parto.
¡A la gloria, si yo antes no os ancoro,
-golfo de arena-, en mis bigotes de oro!

El orden lógico gramatical de este verso seria:
Flecha parto a dispararme contra los picadores
por el arco, del cuerno.
También podemos observar la expresión refinada por el gusto de los elementos sensoriales como colores, luz, tacto, valores fónicos y el uso de las metáforas para expresar el leguaje de manera más forma culta (características comunes del culteranismo).

Gallo-Octava XIII                                     

La rosada, por fin Virgen María.
Arcángel tornasol, y de bonete
dentado de amaranto, anuncia el día
en una pata alzado un clarinete.
La pura nata de la galanía
es este Barba Roja a lo roquete,
que picando coral, y hollando, suma
"a batallas de amor, campos de pluma".



El Barbero-Octava XIV

Blanco narciso por obligación.
Frente a su imagen siempre, espumas pinta,
y en el mineral lado del salón
una idea de mar fulge distinta.
Si no esquileo en campo de jabón,
hace rayas, con gracia, mas sin tinta;
y al fin, con el pulgar en ejercicio,
lo que sobra anula del oficio.

Azahar-Octava XXV

Frontera de lo puro, flor y fría.
Tu blancor de seis filos, complemento,
en el principal mundo de tu aliento,
en un mundo resume un mediodía.
Astrólogo de ramaje en demasía,
de verde resultó jamás exento.
Ártica flor al sur; es necesario
tu desliz al buen curso del canario.


Influencias del Conceptismo en la Actualidad

El Conceptismo de Quevedo y su influencia en Joaquin Sabina


En el  estilo de Francisco de Quevedo (Conceptismo) se puede notar la influencia en grandes artistas de la actualidad como lo es Joaquin Sabina.
                                        


Joaquin Sabina es un cantautor español, considerado uno de representantes más destacados del folk-rock urbano español de los noventa. Joaquín Sabina figura entre los pocos cantautores que ha sabido evolucionar con los tiempos y ampliar su número de seguidores hasta límites insospechados.
Sarcasmo, ironía, mordacidad son determinantes en la poética de Joaquín Sabina, quien, como se ha dicho de Quevedo. Las características formales básicas del Barroco se hacen patentes asimismo en sus letras: léxico de uso corriente entrelazado con cultismos, equívocos, retruécanos, contrastes y antítesis, así como construcciones anafóricas y enumeraciones asindéticas, estos últimos, los dos principales tropos de la poética sabiniana.

Conceptismo:  La canción “Contigo” para compararla con el soneto de Quevedo “Amor constante más allá de la muerte”

Podemos decir que Joaquin Sabina tiene una gran influencia de Francisco de Quevedo ya que en el  contenido de sus canciones le da más importancia al fondo que a la forma sin que tenga la necesidad de rimar o crear una expresión de belleza. Apela a la imaginación en cada estrofa y opera especialmente sobre el pensamiento abstracto, para lo cual se sirve de ingeniosas antítesis, paradojas, laconismos, el doble sentido, asociaciones ingeniosas de ideas o palabras (“conceptos”). Podemos usar la canción ‘‘contigo’’ de Joaquin Sabina como un perfecto ejemplo:
En primer lugar, “Contigo”, se vale de la anáfora en las estrofas que constituyen la primera y segunda partes de la canción. En efecto, el “Yo no quiero” se repite dieciocho veces a lo largo de ellas, por lo tanto, dieciocho versos endecasílabos -el metro preferido del Barroco-, la mayoría de ellos consecutivos. Como efecto de significación, el “Yo no quiero” ofrece a la vez la preeminencia del enunciador en primera persona y su definición por la negativa -y éste mismo es otro rasgo barroco- de una concepción del amor que reniega y para oponerlo antitéticamente, al final de cada parte, a la afirmación de “Lo que yo quiero”.
Encontramos una característica clave que puede calificarse como una reescritura que Sabina hace de Quevedo. En el “Y morirme contigo si te matas / y matarme contigo si te mueres, / porque el amor cuando no muere mata, / porque amores que matan nunca mueren” encontramos una suerte de glosa de todo el soneto “Amor constante más allá de la muerte”. A lo que se refiere con que el amor traspasa hasta más allá de la muerte.

Contigo- Joaquín Sabina


Yo no quiero un amor civilizado,
con recibos y escena del sofá;
yo no quiero que viajes al pasado
y vuelvas del mercado
con ganas de llorar.

Yo no quiero vecínas con pucheros;
yo no quiero sembrar ni compartir;
yo no quiero catorce de febrero
ni cumpleaños feliz.

Yo no quiero cargar con tus maletas;
yo no quiero que elijas mi champú;
yo no quiero mudarme de planeta,
cortarme la coleta,
brindar a tu salud.

Yo no quiero domingos por la tarde;
yo no quiero columpio en el jardin;
lo que yo quiero, corazón cobarde,
es que mueras por mí.

Y morirme contigo si te matas
y matarme contigo si te mueres
porque el amor cuando no muere mata
porque amores que matan nunca mueren.

Yo no quiero juntar para mañana,
no me pidas llegar a fin de mes;
yo no quiero comerme una manzana
dos veces por semana
sin ganas de comer.

Yo no quiero calor de invernadero;
yo no quiero besar tu cicatriz;
yo no quiero París con aguacero
ni Venecia sin tí.

No me esperes a las doce en el juzgado;
no me digas "volvamos a empezar";
yo no quiero ni libre ni ocupado,
ni carne ni pecado,
ni orgullo ni piedad.

Yo no quiero saber por qué lo hiciste;
yo no quiero contigo ni sin ti;
lo que yo quiero, muchacha de ojos tristes,
es que mueras por mí.

Y morirme contigo si te matas
y matarme contigo si te mueres
porque el amor cuando no muere mata
porque amores que matan nunca mueren.


“Amor constante más allá de la muerte”. Soneto de Francisco de Quevedo


Cerrar podrá mis ojos la postrera
Sombra que me llevare el blanco día,
Y podrá desatar esta alma mía
Hora, a su afán ansioso lisonjera;

Mas no de es otra parte en la ribera
Dejará la memoria, en donde ardía:
Nadar sabe mi llama el agua fría,
Y perder el respeto a ley severa.

Alma, a quien todo un Dios prisión ha sido,
Venas, que humor a tanto fuego han dado,
Médulas, que han gloriosamente ardido,

Su cuerpo dejará, no su cuidado;
Serán ceniza, mas tendrá sentido;
Polvo serán, mas polvo enamorado

lunes, 8 de julio de 2013

Relación de la Literatura con el Arte y la Música

Arte Inspirado en la Literatura

Ofelia  de John Everett Millais






‘’Hay un sauce de ramas inclinadas sobre el arroyo
que en el cristal del agua deja ver sus hojas cenicientas.
Con ellas hizo allí guirnaldas caprichosas,
y con ortigas, y margaritas, y esas largas orquídeas
a las que los pastores deslenguados dan un nombre grosero,
pero nuestras doncellas llaman dedos de muerto.
Cuando estaba trepando para colgar su corona de hojas
en las ramas sesgadas, una, envidiosa, se quebró,
cayendo ella y su floral trofeo
al llanto de las aguas. Su vestido se desplegó,
y pudo así flotar un tiempo, tal como la sirenas,
mientras cantaba estrofas de viejos himnos,
como quien es ajeno al propio riesgo,
o igual que la criatura oriunda de ese elemento
líquido. No pasó mucho tiempo
sin que sus ropas, cargadas por el agua embebida,
arrastraran a la infeliz desde sus cánticos
a una muerte de barro.’’

La infeliz y enigmática Ofelia shakespeariana, fuente inagotable de inspiración artística, literaria y filosófica, sedujo a Millais, quien forjó una reinterpretación pictórica realmente sobrecogedora. El melancólico escenario natural que lo enmarca es admirable. El entorno es frondoso y brillante en colorido, de suerte que no resulta opresivo a pesar de ser testigo de la tragedia.

Visiones del Quijote de Octavio Ocampo


Esta obra metamórfica de Octavio Ocampo, es un retrato del Quijote de La Mancha y Sancho Panza en el cuál se forma la ilusión óptica de la cara del mítico escritor español Miguel De Cervantes. 

Música Inspirada en la Literatura

Canción  Alicia en el país de Seru Giran (Banda de Charly García):

Quién sabe Alicia éste país
no estuvo hecho porque sí.
Te vas a ir, vas a salir
pero te quedas,
¿dónde más vas a ir?

Y es que aquí, sabes
el trabalenguas trabalenguas
el asesino te asesina
y es mucho para ti.
Se acabó ese juego que te hacía feliz.

No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó.
Ya no hay morsas ni tortugas
Un río de cabezas aplastadas por el mismo pie
juegan cricket bajo la luna
Estamos en la tierra de nadie, pero es mía
Los inocentes son los culpables, dice su señoría,
el Rey de espadas.

No cuentes lo que hay detrás de aquel espejo,
no tendrás poder
ni abogados, ni testigos.
Enciende los candiles que los brujos
piensan en volver
a nublarnos el camino.
Estamos en la tierra de todos, en la vida.
Sobre el pasado y sobre el futuro,
ruinas sobre ruinas,
querida Alicia.

Desde el titulo se puede ver como la canción se arrima al famoso cuento infantil  de “Alicia en el país de las maravillas” escrito por Lewis Carroll. Charly García usó las imágenes de Lewis Carroll para comentar la realidad argentina en tiempos del proceso militar. Las figuras literarias son muchas y diversas. Los juegos de Alicia se extienden por todo el texto. Alicia, la protagonista hace referencia como metáfora ambigua a la junta militar como a los ciudadanos argentinos.
La “Canción de Alicia en el país” no se limita a ser un texto simple e infantil, como inicialmente parece, sino que es un texto inteligente y lleno de informaciones referentes a la dictadura militar argentina. Como el Proceso incluía la censura de medios de comunicación y todo lo que se interpretaba como pensamiento subversivo fue sancionado con peligro de perder la vida, la gente tuvo que encontrar medios para transmitir los mensajes de una manera disimulada. Charly García con Serú Girán ha logrado escribir textos como este que explota estos medios criticando, describiendo, declarando, rogando, aclarando, mandando…etc. La ambigüedad de sus metáforas como instrumento principal, son extraordinarias e inteligentes de manera que lograron engañar al gobierno. Sin textos como estos tal vez la gente argentina no estuviera preparada para el revolucionario derrocamiento del gobierno en el año 1983.

“Blues a dos mujeres” de La Rue Morgue

…Maga te descubrí sin querer
entre rayuela, la lluvia
y parisenses humedecidos escuchando jazz.
París no está tan lejos
Son mujeres que dejan algo en el aire
algo que emborracha
son mujeres que dejan marcas donde pasan
marcas que nos hacen vivir
Chicas alucinemos sin frenos
ni dolor como si fuera tan normal
tan cotidiano ganas de igual
Cortázar no sospecha...

En el año 1997 La Rue Morgue, agrupación chilena que mixtura el jazz, el blues y el pop, lanza al mercado discográfico su primer LP con título homónimo, La Rue Morgue. En este debut discográfico figura una canción particular cuya letra rinde homenaje y abreva de una de las obras literarias en lengua española más importantes de la historia universal, “Rayuela”, del escritor argentino Julio Cortázar, publicada en el año 1963. “Blues a dos mujeres” es el título que lleva esta canción que deja traslucir parte del espíritu de bohemia y de la dialéctica satisfacción-insatisfacción que se percibe al leer las intrincadas y nada sencillas páginas de la novela (o “anti-novela” como algunos le dicen) “Rayuela”.
“La Maga”, es un personaje ficcional femenino de la novela Rayuela que se destaca por ser representante del amor romántico e inocente que provoca desde el saber afectivo. La Maga (madre al cuidado del bebé Rocamadour) se encuentra ausente en medio de un grupo reducido de parisinos fríos y auto-superados que devanean en reflexiones trasnochadas sobre el arte y el pensamiento intelectual en el llamado (nada inocente) “Club de la Serpiente”. En este sentido,Julio Cortázar parece desdoblarse conflictivamente a sí mismo como autor entre su vida en París, donde residió por varias décadas, y la Argentina; donde se formó hasta entrada la adultez.
En síntesis, “Blues a dos mujeres” es una canción que toma un personaje central de “Rayuela” como “La Maga” y la confronta con otro personaje femenino que entraría a jugar dentro de otra lógica de pensamiento y acción (más individualista y libre de las ataduras a las estructuras) como la artista de jazz “Tori”. Cabe destacar que “Rayuela” fue una novela de ruptura que cautivó a toda una generación y acompañó en buena parte el quiebre cultural que significaron los años 60s para el surgimiento del rock en español. Nada hubiera sido igual sin la afanosa necesidad de liberación de algunos pocos que se atrevieron a jugar el juego de los brincos para querer llegar al cielo. El “cielo”, en la misma obra de Julio Cortázar, es sinónimo de esa búsqueda incesante por superar los límites que impone la vida cotidiana y terrenal.