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            ¿Se les hace familiar? Los 18 Aurelianos 

Influencia del Gongorismo en Miguel Hernández.

Influencia del Gongorismo en Miguel Hernández.

Las corrientes Literarias del Siglo de Oro español se ven reflejadas en la maestría poética del español Miguel Hernández.

Su primer libro de poemas “Perito en Lunas” está estructurado con 42 octavas reales, esta métrica fue utilizada en el barroco español por el movimiento literario del Culteranismo, un ejemplo es la “Fabula de Polifemo y Galatea “de Luis de Góngora y Argote.

Fabula de Polifemo y Galatea De Luis de Góngora y Argote	Perito en Lunas De Miguel Hernández
ESTROFA XXVIII      La ninfa, pues, la sonorosa plata bullir sintió del arroyuelo apenas, cuando, a los verdes márgenes ingrata, segur se hizo de sus azucenas. Huyera, mas tan frío se desata un temor perezoso por sus venas, que a la precisa fuga, al presto vuelo, grillos de nieve fue, plumas de hielo..	Octava II Palmero y Domingo de Ramos. Luz comba, y no, creada por el mozo, talludo espulgador de los racimos: no a fuerza, y sí, de bronces en rebozo, sí a fuerza, y no, de esparto y tiempo opimos. Por el domingo más brillante fuimos con la luz, enarcada de alborozo, en ristre, bajo un claustro de mañanas, hasta el eterno abril de la persianas.

Luis de Góngora y Argote, Escritor del Siglo de Oro Español

El estilo culterano de Miguel Hernández no es puramente imitativo, a diferencia de Góngora, que presentaba un mundo puramente fabuloso y mitológico, este se fija en lo real y lo inmediato.

El neogongorismo aparece de manera renovadora a Miguel Hernández, que transforma la realidad, en palabra poética, de una manera exquisita. En estos magistrales poemas  podemos observar a un autor que logra dominar el lenguaje con una extraordinaria complejidad metafórica, logrando ennoblecer los temas más cotidianos y convertirlos en las más altas cimas poéticas.

Figuras retoricas frecuentes en el culteranismo como el hipérbaton (cuyo objetivo es cambiar el orden lógico de un verso para expresarlo en un lenguaje más noble y elegante) están presentes en poemas como Toro.

Toro-Octava III

A la gloria, a la gloria toreadores!

La hora es de mi luna menos cuarto.

Émulos imprudentes del lagarto,

magnificaos el lomo de colores.

Por el arco, contra los picadores,

del cuerno, flecha, a dispararme parto.

¡A la gloria, si yo antes no os ancoro,

-golfo de arena-, en mis bigotes de oro!

El orden lógico gramatical de este verso seria:

Flecha parto a dispararme contra los picadores

por el arco, del cuerno.

También podemos observar la expresión refinada por el gusto de los elementos sensoriales como colores, luz, tacto, valores fónicos y el uso de las metáforas para expresar el leguaje de manera más forma culta (características comunes del culteranismo).

Gallo-Octava XIII                                     

La rosada, por fin Virgen María.

Arcángel tornasol, y de bonete

dentado de amaranto, anuncia el día

en una pata alzado un clarinete.

La pura nata de la galanía

es este Barba Roja a lo roquete,

que picando coral, y hollando, suma

"a batallas de amor, campos de pluma".

El Barbero-Octava XIV

Blanco narciso por obligación.

Frente a su imagen siempre, espumas pinta,

y en el mineral lado del salón

una idea de mar fulge distinta.

Si no esquileo en campo de jabón,

hace rayas, con gracia, mas sin tinta;

y al fin, con el pulgar en ejercicio,

lo que sobra anula del oficio.

Azahar-Octava XXV

Frontera de lo puro, flor y fría.

Tu blancor de seis filos, complemento,

en el principal mundo de tu aliento,

en un mundo resume un mediodía.

Astrólogo de ramaje en demasía,

de verde resultó jamás exento.

Ártica flor al sur; es necesario

tu desliz al buen curso del canario.

Influencias del Conceptismo en la Actualidad

El Conceptismo de Quevedo y su influencia en Joaquin Sabina

En el  estilo de Francisco de Quevedo (Conceptismo) se puede notar la influencia en grandes artistas de la actualidad como lo es Joaquin Sabina.

                                        

Joaquin Sabina es un cantautor español, considerado uno de representantes más destacados del folk-rock urbano español de los noventa. Joaquín Sabina figura entre los pocos cantautores que ha sabido evolucionar con los tiempos y ampliar su número de seguidores hasta límites insospechados.

Sarcasmo, ironía, mordacidad son determinantes en la poética de Joaquín Sabina, quien, como se ha dicho de Quevedo. Las características formales básicas del Barroco se hacen patentes asimismo en sus letras: léxico de uso corriente entrelazado con cultismos, equívocos, retruécanos, contrastes y antítesis, así como construcciones anafóricas y enumeraciones asindéticas, estos últimos, los dos principales tropos de la poética sabiniana.

Conceptismo:  La canción “Contigo” para compararla con el soneto de Quevedo “Amor constante más allá de la muerte”

Podemos decir que Joaquin Sabina tiene una gran influencia de Francisco de Quevedo ya que en el  contenido de sus canciones le da más importancia al fondo que a la forma sin que tenga la necesidad de rimar o crear una expresión de belleza. Apela a la imaginación en cada estrofa y opera especialmente sobre el pensamiento abstracto, para lo cual se sirve de ingeniosas antítesis, paradojas, laconismos, el doble sentido, asociaciones ingeniosas de ideas o palabras (“conceptos”). Podemos usar la canción ‘‘contigo’’ de Joaquin Sabina como un perfecto ejemplo:

En primer lugar, “Contigo”, se vale de la anáfora en las estrofas que constituyen la primera y segunda partes de la canción. En efecto, el “Yo no quiero” se repite dieciocho veces a lo largo de ellas, por lo tanto, dieciocho versos endecasílabos -el metro preferido del Barroco-, la mayoría de ellos consecutivos. Como efecto de significación, el “Yo no quiero” ofrece a la vez la preeminencia del enunciador en primera persona y su definición por la negativa -y éste mismo es otro rasgo barroco- de una concepción del amor que reniega y para oponerlo antitéticamente, al final de cada parte, a la afirmación de “Lo que yo quiero”.

Encontramos una característica clave que puede calificarse como una reescritura que Sabina hace de Quevedo. En el “Y morirme contigo si te matas / y matarme contigo si te mueres, / porque el amor cuando no muere mata, / porque amores que matan nunca mueren” encontramos una suerte de glosa de todo el soneto “Amor constante más allá de la muerte”. A lo que se refiere con que el amor traspasa hasta más allá de la muerte.

Contigo- Joaquín Sabina

Yo no quiero un amor civilizado,

con recibos y escena del sofá;

yo no quiero que viajes al pasado

y vuelvas del mercado

con ganas de llorar.

Yo no quiero vecínas con pucheros;

yo no quiero sembrar ni compartir;

yo no quiero catorce de febrero

ni cumpleaños feliz.

Yo no quiero cargar con tus maletas;

yo no quiero que elijas mi champú;

yo no quiero mudarme de planeta,

cortarme la coleta,

brindar a tu salud.

Yo no quiero domingos por la tarde;

yo no quiero columpio en el jardin;

lo que yo quiero, corazón cobarde,

es que mueras por mí.

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

Yo no quiero juntar para mañana,

no me pidas llegar a fin de mes;

yo no quiero comerme una manzana

dos veces por semana

sin ganas de comer.

Yo no quiero calor de invernadero;

yo no quiero besar tu cicatriz;

yo no quiero París con aguacero

ni Venecia sin tí.

No me esperes a las doce en el juzgado;

no me digas "volvamos a empezar";

yo no quiero ni libre ni ocupado,

ni carne ni pecado,

ni orgullo ni piedad.

Yo no quiero saber por qué lo hiciste;

yo no quiero contigo ni sin ti;

lo que yo quiero, muchacha de ojos tristes,

es que mueras por mí.

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

“Amor constante más allá de la muerte”. Soneto de Francisco de Quevedo

Cerrar podrá mis ojos la postrera

Sombra que me llevare el blanco día,

Y podrá desatar esta alma mía

Hora, a su afán ansioso lisonjera;

Mas no de es otra parte en la ribera

Dejará la memoria, en donde ardía:

Nadar sabe mi llama el agua fría,

Y perder el respeto a ley severa.

Alma, a quien todo un Dios prisión ha sido,

Venas, que humor a tanto fuego han dado,

Médulas, que han gloriosamente ardido,

Su cuerpo dejará, no su cuidado;

Serán ceniza, mas tendrá sentido;

Polvo serán, mas polvo enamorado

Relación de la Literatura con el Arte y la Música

Arte Inspirado en la Literatura

Ofelia  de John Everett Millais

‘’Hay un sauce de ramas inclinadas sobre el arroyo
que en el cristal del agua deja ver sus hojas cenicientas.

Con ellas hizo allí guirnaldas caprichosas,
y con ortigas, y margaritas, y esas largas orquídeas
a las que los pastores deslenguados dan un nombre grosero,
pero nuestras doncellas llaman dedos de muerto.
Cuando estaba trepando para colgar su corona de hojas
en las ramas sesgadas, una, envidiosa, se quebró,
cayendo ella y su floral trofeo
al llanto de las aguas. Su vestido se desplegó,
y pudo así flotar un tiempo, tal como la sirenas,
mientras cantaba estrofas de viejos himnos,
como quien es ajeno al propio riesgo,
o igual que la criatura oriunda de ese elemento
líquido. No pasó mucho tiempo
sin que sus ropas, cargadas por el agua embebida,
arrastraran a la infeliz desde sus cánticos
a una muerte de barro.’’

La infeliz y enigmática Ofelia shakespeariana, fuente inagotable de inspiración artística, literaria y filosófica, sedujo a Millais, quien forjó una reinterpretación pictórica realmente sobrecogedora. El melancólico escenario natural que lo enmarca es admirable. El entorno es frondoso y brillante en colorido, de suerte que no resulta opresivo a pesar de ser testigo de la tragedia.

Visiones del Quijote de Octavio Ocampo

Esta obra metamórfica de Octavio Ocampo, es un retrato del Quijote de La Mancha y Sancho Panza en el cuál se forma la ilusión óptica de la cara del mítico escritor español Miguel De Cervantes. 

Música Inspirada en la Literatura

“Canción  Alicia en el país” de Seru Giran (Banda de Charly García):

Quién sabe Alicia éste país

no estuvo hecho porque sí.

Te vas a ir, vas a salir

pero te quedas,

¿dónde más vas a ir?

Y es que aquí, sabes

el trabalenguas trabalenguas

el asesino te asesina

y es mucho para ti.

Se acabó ese juego que te hacía feliz.

No cuentes lo que viste en los jardines, el sueño acabó.

Ya no hay morsas ni tortugas

Un río de cabezas aplastadas por el mismo pie

juegan cricket bajo la luna

Estamos en la tierra de nadie, pero es mía

Los inocentes son los culpables, dice su señoría,

el Rey de espadas.

No cuentes lo que hay detrás de aquel espejo,

no tendrás poder

ni abogados, ni testigos.

Enciende los candiles que los brujos

piensan en volver

a nublarnos el camino.

Estamos en la tierra de todos, en la vida.

Sobre el pasado y sobre el futuro,

ruinas sobre ruinas,

querida Alicia.

Desde el titulo se puede ver como la canción se arrima al famoso cuento infantil  de “Alicia en el país de las maravillas” escrito por Lewis Carroll. Charly García usó las imágenes de Lewis Carroll para comentar la realidad argentina en tiempos del proceso militar. Las figuras literarias son muchas y diversas. Los juegos de Alicia se extienden por todo el texto. Alicia, la protagonista hace referencia como metáfora ambigua a la junta militar como a los ciudadanos argentinos.

La “Canción de Alicia en el país” no se limita a ser un texto simple e infantil, como inicialmente parece, sino que es un texto inteligente y lleno de informaciones referentes a la dictadura militar argentina. Como el Proceso incluía la censura de medios de comunicación y todo lo que se interpretaba como pensamiento subversivo fue sancionado con peligro de perder la vida, la gente tuvo que encontrar medios para transmitir los mensajes de una manera disimulada. Charly García con Serú Girán ha logrado escribir textos como este que explota estos medios criticando, describiendo, declarando, rogando, aclarando, mandando…etc. La ambigüedad de sus metáforas como instrumento principal, son extraordinarias e inteligentes de manera que lograron engañar al gobierno. Sin textos como estos tal vez la gente argentina no estuviera preparada para el revolucionario derrocamiento del gobierno en el año 1983.

“Blues a dos mujeres” de La Rue Morgue

…Maga te descubrí sin querer

entre rayuela, la lluvia

y parisenses humedecidos escuchando jazz.

París no está tan lejos

Son mujeres que dejan algo en el aire

algo que emborracha

son mujeres que dejan marcas donde pasan

marcas que nos hacen vivir

Chicas alucinemos sin frenos

ni dolor como si fuera tan normal

tan cotidiano ganas de igual

Cortázar no sospecha...

En el año 1997 La Rue Morgue, agrupación chilena que mixtura el jazz, el blues y el pop, lanza al mercado discográfico su primer LP con título homónimo, La Rue Morgue. En este debut discográfico figura una canción particular cuya letra rinde homenaje y abreva de una de las obras literarias en lengua española más importantes de la historia universal, “Rayuela”, del escritor argentino Julio Cortázar, publicada en el año 1963. “Blues a dos mujeres” es el título que lleva esta canción que deja traslucir parte del espíritu de bohemia y de la dialéctica satisfacción-insatisfacción que se percibe al leer las intrincadas y nada sencillas páginas de la novela (o “anti-novela” como algunos le dicen) “Rayuela”.

“La Maga”, es un personaje ficcional femenino de la novela Rayuela que se destaca por ser representante del amor romántico e inocente que provoca desde el saber afectivo. La Maga (madre al cuidado del bebé Rocamadour) se encuentra ausente en medio de un grupo reducido de parisinos fríos y auto-superados que devanean en reflexiones trasnochadas sobre el arte y el pensamiento intelectual en el llamado (nada inocente) “Club de la Serpiente”. En este sentido,Julio Cortázar parece desdoblarse conflictivamente a sí mismo como autor entre su vida en París, donde residió por varias décadas, y la Argentina; donde se formó hasta entrada la adultez.

En síntesis, “Blues a dos mujeres” es una canción que toma un personaje central de “Rayuela” como “La Maga” y la confronta con otro personaje femenino que entraría a jugar dentro de otra lógica de pensamiento y acción (más individualista y libre de las ataduras a las estructuras) como la artista de jazz “Tori”. Cabe destacar que “Rayuela” fue una novela de ruptura que cautivó a toda una generación y acompañó en buena parte el quiebre cultural que significaron los años 60s para el surgimiento del rock en español. Nada hubiera sido igual sin la afanosa necesidad de liberación de algunos pocos que se atrevieron a jugar el juego de los brincos para querer llegar al cielo. El “cielo”, en la misma obra de Julio Cortázar, es sinónimo de esa búsqueda incesante por superar los límites que impone la vida cotidiana y terrenal.

Top 10 de Libros

Top 10 de Libros

1.DON QUIJOTE DE LA MANCHA (MIGUEL DE CERVANTES)

Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes es una de las obras universales más traducidas en todo el mundo, además es un libro divertido, rebosante de comicidad y humor, con el ideal clásico de instruir y deleitar.

La intención que tenía Cervantes era tal vez mostrar a los lectores de la época los disparates de las novelas de caballerías y también hacer una burla del idealismo humano, una destilación de amarga ironía, un canto a la libertad o muchas más. También constituye una asombrosa lección de teoría y práctica literarias. Porque, con frecuencia, se discute sobre libros existentes y acerca de cómo escribir otro frutos.

También nos muestra a Don Quijote y Sancho Panza, quienes constituyen un ser humano poético. Sancho representa al apego a los valores materiales, mientras Don Quijote ejemplifica la entrega a la defensa de un ideal.

2.1984 (GEORGE ORWELL)

1984 es el libro por excelencia, debería haber un ejemplar en todas las casas. Sin duda una de las mejores distopías de la historia de la literatura, un género que los que me leen normalmente sabrán que me apasiona. En este caso es una crítica a una sociedad corrompida por el poder de la política, la censura y la manipulación de los medios. Es un libro lleno de ideas y teorías interesantes y que nos hacen pensar acerca de lo que puede llegar a significar que nos roben la libertad ya sea de acción o de pensamiento. Una sociedad que no puede pensar es una sociedad de esclavos.

3.CRIMEN Y CASTIGO (FIÓDOR DOSTOIEVSKI)

Esta novela, una de las más grandes e imperecederas de la literatura universal, contiene dos de los temas característicos de Dostoyevski: la relación entre la culpa y el castigo y la idea de la fuerza redentora del sufrimiento humano, planteando con todo vigor el conflicto entre el Bien y el Mal, ese dualismo ético que es una constante en la obra del autor. Bajo el armazón naturalista de una novela de tesis, subyace una alegoría metafísica y moral. Observa Dostoyevski que el castigo no intimida al criminal, 'pues éste de por sí pide ya moralmente un castigo'.

4.LA  ILÍADA (HOMERO)

La Ilíada es una epopeya griega y el poema más antiguo escrito de la literatura occidental. Está compuesta en hexámetros dactílicos. Consta de 15.691 versos (divididos por los editores, ya en la antigüedad, en 24 cantos o rapsodias) y su trama radica en la cólera de Aquiles. Narra los acontecimientos ocurridos durante 51 días en el décimo y último año de la Guerra de Troya.

‘‘La Ilíada se centra directamente en la descripción de distintas batallas acaecidas durante el cerco de Troya pero, sobre todo, en la actitud de un personaje, Aquiles, y de cómo su carácter -la famosa cólera de Aquiles-, inhibición primero, participación después, influye y determina el devenir de la guerra. Centrado en uno de sus principales héroes, sin embargo transciende este hecho para convertirse en un friso de lo que aconteció, convirtiéndose siglos después en fundamento del ciclo troyano de las tragedias griegas.’’ -Sófocles

5.HAMLET (WILLIAM SHAKESPEARE)

La tragedia de Hamlet traza el admirable retrato de un legendario príncipe de Jutlandia, soñador, contemplativo, sumido en dudas e irresoluciones, que, obligado a esclarecer los motivos que llevaron a la muerte de su padre, sucumbe ante la fatalidad de las circunstancias. Su locura no es sólo, al modo tradicional, una ficción y una coartada, sino que se convierte en modo de ser y en visión del mundo. Su ambigüedad, su ambivalencia y su desorientación lo aproximan notablemente a la sensibilidad de nuestra época. Poblada, como señala en su prólogo Vicente Molina Foix, por una abundante y compleja galería de personajes «secundarios», la obra ha gozado de una constante vigencia a lo largo del tiempo, que ha hecho que se incorporen al lenguaje común numerosas expresiones de la obra («ser o no ser», «palabras, palabras, palabras», «lo demás es silencio») que han llegado a hacerse emblemáticas.

6.CIEN AÑOS DE SOLEDAD (GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ)

Es la novela más famosa de su autor, el colombiano Gabriel García Márquez (premio Nobel 1982), quien recoge en ella personajes y ambientes ya utilizados en cuentos y novelas cortas anteriores, todos ellos en torno al universo imaginario de Macondo. Se considera el máximo exponente del realismo mágico, tendencia literaria que surgió en Hispanoamérica entre 1940 y 1950, consistente en combinar el realismo con elementos fantásticos o imaginarios propios de la realidad latinoamericana.

 Narra la historia de una saga familiar, los Buendía, fundadora de la aldea de Macondo, que acabará constituyéndose en un microcosmos de la historia del Caribe, de Iberoamérica e incluso, por extensión, de la Humanidad en general.

7.ORGULLO Y PREJUICIO (JANE AUSTEN)

Satírica, antirromántica, profunda y mordaz a un tiempo, la obra de Jane Austen nace de la observación de la vida doméstica y de un profundo conocimiento de la condición humana. Orgullo y prejuicio ha fascinado a generaciones de lectores por sus inolvidables personajes y su desopilante retrato de una sociedad, la Inglaterra victoriana y rural, tan contradictoria como absurda. Con la llegada del rico y apuesto señor Darcy a su región, las vidas de los Bennet y sus cinco hijas se vuelven del revés. El orgullo y la distancia social, la astucia y la hipocresía, los malentendidos y los juicios apresurados abocan a los personajes al escándalo y al dolor, pero también a la comprensión, el conocimiento y el amor verdadero.

8.LOLITA (VLADIMIR NABOKOV)

La historia de la obsesión de Humbert Humbert, un profesor cuarentón, por la doceañera Lolita es una extraordinaria novela de amor en la que intervienen dos componentes explosivos: la atracción "perversa" por las nínfulas y el incesto. Un itinerario a través de la locura y la muerte, que desemboca en una estilizadísima violencia, narrado, a la vez con autoironía y lirismo desenfrenado, por el propio Humbert Humbert. Lolita es también un retrato ácido y visionario de los Estados Unidos, de los horrores suburbanos y de la cultura del plástico y del motel.

9.ODISEA (HOMERO)

El tema principal de este libro de Homero lo constituyen las aventuras de Ulises, en las que predomina la astucia sobre la lucha heroica. Verdadera obra maestra del genio griego, en la que los personajes olímpicos se revelan en una magnitud humana, tiene el mérito de situar al lector en el mundo fascinante de las antiguas culturas mediterráneas, cuna de nuestra civilización.

10.LA DIVINA COMEDIA (DANTE ALIGHIERI)

La Divina Comedia es una obra extensa, compleja, extraña, llena de momentos sublimes e inolvidables, pero también de otros difíciles y farragosos. Un grandioso poema donde el autor quiso aunar la poesía con el conocimiento. Un viaje iniciático por los Reinos de Ultratumba lleno de incidentes y peripecias, en las que Dante vierte toda su fantasía y capacidad de fabulación, desde los parajes más lóbregos e infectos del Infierno, hasta los más resplandecientes e inmateriales del Paraíso, pasando por las delicadas descripciones paisajísticas del Purgatorio. La «Divina Comedia» da cuenta de una complejísima gama de sentimientos humanos que nos emocionan y admiran.